09.09.2020, 16:35 Wersja do druku

Katowice. 26. Międzynarodowy Festiwal Sztuk Performatywnych A Part

W dniach 15-20 września odbędzie się w Katowicach 26. edycja Międzynarodowego Festiwalu Sztuk Performatywnych A Part.

15.09. Kinoteatr Rialto 18:00
Angélica [una tragedia]
Film o Angélice Liddell.
Premiera polska.
Bilety w cenie 18 i 15 złotych do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.

Angélica Liddell (1966 jako Angélica González) jest katalońską dramaturżką, reżyserką i aktorką. Studiowała psychologię i sztuki sceniczne. Swoje pierwsze dramaty napisała w latach osiemdziesiątych. W 1993 roku założyła zespół teatralny Atra Bilis Teatro, który prowadzi do dziś. Jej dramaty oraz przedstawienia autorskie są wystawiane na scenach całego świata.

Angélica Liddell przygotowuje swój kolejny spektakl „Całe niebo nad ziemią (syndrom Wendy)”, a Manuel Fernández-Valdés postanawia sportretować ją w filmie. Liddell stała się jedną z głównych europejskich twórczyń teatru autorskiego, opierając swoją sztukę na autobiografii i bezkompromisowo eksponując najgłębsze pokłady własnego bólu. Taka decyzja wpływa na jej sposób pracy i na wszystkie osoby, które z nią pracują. Każdy z jej współpracowników musi sam zadecydować, jak daleko może się posunąć. Reżyser filmu nie pozostaje obojętny na to doświadczenie. „Angélica [tragedia]” to film o ludziach zaprzedanych sztuce i niespokojnych relacjach między twórczością a życiem.

Hiszpania 2016
Reżyseria: Manuel Fernández-Valdés.
83 minuty
--

15.09. Kinoteatr Rialto 20:00
Bobbi Jene
Film o Bobbi Jene Smith.
Bilety w cenie 18 i 15 złotych do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.

Bobbi Jene Smith (1983) jest amerykańską tancerką i aktorką. W wielu 21 lat dołączyła do Batsheva Dance Company, słynnego izraelskiego teatru tańca, stając się jedną z czołowych tancerek zespołu. Po dziesięciu latach postanowiła powrócić do Stanów i rozpocząć karierę solową.

Film pokazuje nie tylko wyjątkowy talent i indywidualność Bobbi Jene Smith, utalentowanej tancerki, ale także portretuje szczególny etap jej biografii, gdy zdecydowała się porzucić wygodne życie gwiazdy i zaryzykowała walkę o samą siebie. Proces rodzenia się własnej artystycznej niezależności przebiegał jednak w nowej dla niej przestrzeni i konfiguracji. „Bobbi Jene” pokazuje konsekwencje podjętych przez Smith radykalnych i – pozornie tylko – zaskakujących decyzji.

Dania/Szwajcaria/USA/Izrael 2017
Reżyseria: Elvira Lind
95 minut
--
16.09. Kinoteatr Rialto 18:00
Breath Made Visible
Film o Annie Halprin.
Bilety w cenie 18 i 15 złotych do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.

Anna Halprin (1920 jako Hannah Schuman) to jedna z ikon tańca współczesnego na świecie, twórczyni  tańca postmodernistycznego, rewolucjonistka tańca. Stworzyła systematyczny sposób poruszania się z wykorzystaniem świadomości kinestetycznej, dający możliwość zapisania choreografii pod postacią partytury. Mierząc się z nowotworem opracowała własny sposób walki z chorobą poprzez transformacyjny taniec, który nazwała „pięcioma etapami uzdrawiania”. Choreografka i tancerka, autorka wielu publikacji, pedagog.

Obraz jest pierwszym filmem długometrażowym o życiu i karierze zawodowej Anny Halprin, amerykańskiej pionierki tańca współczesnego, inspirującego pedagoga i eksperymentalnej artystki związanej z improwizacją. Jej twórczość od początku pozostaje interdyscyplinarna i porywa niezwykłą otwartością. Halprin zrewolucjonizowała taniec współczesny poszerzając jego definicje o taniec na styku performansu, terapii, rytuału i sztuki, którego mogą doświadczać nie tylko zawodowcy, ale też na przykład seniorzy. Kinowy portret obfituje w unikatowe fragmenty, takie jak rozmowa z Mercem Cunninghamem, zdjęcia archiwalne zespołu Anny Halprin, który był pierwszym w USA, gromadzącym  czarnych i białych tancerzy. Prezentuje także fragmenty spektakli tworzonych kilkanaście lat temu, bo mimo sędziwego wieku dzisiaj stuletnia Halprin pozostawała aktywna zawodowo jeszcze w wielu dziewięćdziesięciu kilku lat, na scenie i poza nią.

USA/Szwajcaria 2009
Reżyseria: Ruedi Gerber
80 minut
--
16.09. Kinoteatr Rialto 20:00
Mr. Gaga
Film o Ohadzie Naharinie.
Bilety w cenie 18 i 15 złotych do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.

Ohad Naharin (1952) jest światowej sławy izraelskim tancerzem, choreografem i muzykiem. Naukę tańca rozpoczął bardzo późno, w wieku 22 lat, poznając liczne metody tańca w Stanach Zjednoczonych. W 1990 roku powrócił do Izraela i został dyrektorem artystycznym zespołu Batsheva Dance Company, który pod jego przewodnictwem stał się jednym z czołowych teatrów tańca na świecie. Ohad Naharin jest twórcą innowacyjnego języka ruchu GaGa, który zrewolucjonizował metodę szkolenia tancerzy.

„Mr. Gaga” nie jest zwykłym filmem biograficznym. To przede wszystkim opowieść o sztuce, o tańcu, o cielesności. Elektryzująca i wbijająca w fotel. Ohad Naharin czyli tytułowy Mr. Gaga, to choreograf, który stworzył własny język tańca – GaGa – w którym ruch staje się sposobem na ujarzmienie samego siebie. Film „Mr. Gaga” składa się z wielu nagrań archiwalnych, nauk z tancerzami oraz wywiadów z samym Naharinem. Nazywany jednym z najbardziej innowacyjnych i oryginalnych choreografów współczesnych, Naharin opowiada o swoim dzieciństwie, miłościach i wizjach świata. W filmie Tomera Heymanna pojawia się również pytanie o poświęcenie artysty, który wszystko wkłada w taniec. Gdzie jest więc miejsce dla innej rzeczywistości? Rodziny, prywatności…

Hiolandia/Niemcy/Szwajcaria/Izrael 2015
Reżyseria: Tomer Heymann
100 minut


17.09. i 18.09. Scena/Atelier Teatru A Part
12:00, 12:15, 12:30, 12:45, 13:00, 13:15 oraz
14:30, 14:45, 15:00, 15:15, 15:30, 15:45 oraz
17:00, 17:15, 17:30, 17:45, 18:00, 18:15
Teatr A Part: Alicja w Krainie Czarów
Spektakl dla 1 widza.
+18
Bilety w cenie 60 zł.
Konieczna wcześniejsza rezerwacja miejsca.
Informacje i rezerwacje pod adresem: rezerwacjeapart@wp.pl.

„Alicja w Krainie Czarów” to przedstawienie Teatru A Part nawiązujące formą oraz obszarem tematów do słynnej powieści Lewisa Carrolla czyli Charlesa Ludwidga Dodgsona, która uchodzi za drugą – po Biblii – najczęściej cytowaną książkę wszechczasów. Przedstawienie – czasami pośrednio i luźno, innym razem wprost – odwołuje się do wątków z tytułowej powieści oraz losów jej bohaterki Alicji, umieszczając je w kontekstach współczesnych i uniwersalnych. Przedstawienie przywołuje także fakty i mity na temat inspiracji i osobistych powodów powstania książki, znanych z biografii jej autora, purytańskiego pastora i profesora matematyki z czasów wiktoriańskich, miłośnika niewieścich wdzięków i pasjonata fotografii. Kolaż wykorzystanych w przedstawieniu motywów balansuje szeroko między naturalizmem i surrealizmem, brutalizmem i oniryką, groteską i horrorem.
„Alicja w Krainie Czarów” Teatru A Part jest projektem typu „site specific”, podczas którego każdy z widzów, indywidualnie, odbywa samotną podróż przez uniwersum przedstawienia. Spektakl pod względem struktury nawiązuje do twórczości kolumbijskiego reżysera Enrique Vargasa, założyciela Teatro de los Sentidos.
Pomysł, scenariusz, reżyseria, scenografia: Marcin Herich
Współreżyseria: Monika Wachowicz
Współpraca nad scenariuszem: zespół
Aranżacja przestrzeni, współpraca nad scenografią: Cezary Kruszyna
Występują: Alina Bachara, Adam Barski, Daniel Dyniszuk, Katarzyna Gogacz, Marcin Herich,
Magdalena Krawczyk, Cezary Kruszyna, Natalia Kruszyna, Katarzyna Pojda, Agata Sokół, Monika Wachowicz, Karolina Wosz, Marta Zielonka
Premiera: 2017
--

fot. mat. teatru

17.09. Teatr Korez 20:00
Stowarzyszenie Sztuka Nowa: Krym
Spektakl sceniczny.
Ilość miejsc ograniczona. Bilety w cenie 40 zł do nabycia w kasie Teatru Korez.

Ten spektakl nie jest o Krymie. Ten spektakl nie jest o tym, co obecnie kojarzy się z tym miejscem. Ten spektakl nie jest o wojnie. Ten spektakl nie jest o polityce. Ten spektakl nie jest o dwóch (albo wielu) skonfliktowanych narodach. Ten spektakl nie jest o Ukrainie, o Rosji ani o Tatarach Krymskich. W tym spektaklu nie ma Putina. Ten spektakl nie zostanie zaanektowany. W tym spektaklu słowo „Krym” nie będzie używane. Ten spektakl nie jest manifestem. Ten spektakl nie jest deklaracją.
Sztuka polityczna zazwyczaj ma tendencję do zaniedbywania piękna. Jego wartość zostaje niedoszacowana, bo postrzegana jest jako zbędny luksus w świecie potrzebującym poważnego komentarza politycznego. Czy można mówić o różach, kiedy za oknem wybuchają bomby?
Ten spektakl organizuje pustka i dynamika tęsknoty, która się z nią wiąże. Czy można wypracować system mówienia o tym, za czym tęsknimy? Czy można komuś opowiedzieć o uczuciu, które jest w nas, gdy patrzymy na morze? Czy można opowiedzieć o tym uczuciu osobie, która siedzi obok ciebie? Czy w drugim człowieku można wyzwolić te same uczucia, które sami nosimy? I czy próba tworzenia takich „kopii” ma w ogóle jakikolwiek sens? Jak wypowiedzieć niewypowiedziane? Czy jednostkowe doświadczenie piękna może promieniować na życie innych osób?

Koncepcja, reżyseria, wykonanie: Vera Popova, Gosia Trajkowska
Muzyka: Zoi Michailova
Scenografia: Piotr Szczygielski
Wideo, wizualizacje: Kuba Matuszczak, Adrien Cognac
Premiera: 2017

--
18.09. Strefa Centralna (Katowice Miasto Ogrodów I piętro) 20:00
Magda Tuka: Deus Ex Running Machina
Performens.
+ 18
Bilety w cenie 20 zł.
Ilość miejsc ograniczona. Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

„Staram się tworzyć obrazy, które zawierają metaforę, narrację i sprzeczność. Bieg, z jednej  strony, jest aktem wolności, z drugiej zaś, obciążeniem, jakby wrodzoną koniecznością. Pomimo intensywnej pracy mięśni i spalania energii, bieżnia nie pokonuje żadnej odległości. Jedyną zmianą jest kąt widzenia. Za każdym razem inna przestrzeń prezentacji jest twórcą dramaturgii, w której „Deus ex Running Machina” wydaje się wprowadzać Nowy Porządek.
Interesuje mnie ciało wrzucone w tryby wyższej konieczności, zdeterminowane przez narzucone przez siebie samo warunki. Bez celebracji, traktowane raczej instrumentalnie, w służbie idei, znaczenia. Często nagie, obnażone, ale nigdy upokorzone.”
Magda Tuka

Spektakl nawiązuje do „Notatek dla Nowego Cyrku” Guima Fanalera. Notatki Fanalera łączą anarchistyczną epistemologię z przetworzonym zapisem terenowym w celu stworzenia koncentrycznego three-ring circus [sformułowanie oznaczające zarówno fizyczną strukturę areny cyrkowej, jak i szaleństwo].  Fanaler po raz pierwszy zaprezentował swoje Zasady Sztuki publiczności na żywo na początku 2020 roku jako MC w Horse Donkey Club w Londynie. W „Deus Ex Running Machina” zostanie przedstawiony krótki przegląd Tabeli A, w której A oznacza zbieżność wszystkiego i gdzie znajdują się związki pomiędzy tym, tamtym i owym (https://volvelle.live.).

Pomysł i wykonanie: Magda Tuka
Dżwięk: Opaen
Premiera: 2018
--

19.09. Sala 211 (Katowice Miasto Ogrodów II piętro) 20:00
Grupa Korpuskularna LightOff: Na lighcie
Spektakl sceniczny.
Bilety w cenie 40 zł.
Ilość miejsc ograniczona. Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Traktat o dwoistej naturze światła wygłosi jeden z najbardziej kontrowersyjnych w świecie teatru specjalistów od oświetlenia scenicznego. Poznamy różne techniki i jednostki pomiaru światła (takie jak lumen, kandela czy steradian), usłyszymy historie o kłopotach techników z dualizmem korpuskularno-falowym, dowiemy się wreszcie, z jakich powodów i jakimi metodami kierowano ten strumień na aktorów teatru offowego na przestrzeni dziejów, o tym jak światło sceniczne potrafi zwodzić, załamywać, polaryzować czy ulegać luminescencji.  
 
„Kiedy moja pozycja w teatrze jako technika zaczęła słabnąć, a cyfra zaczęła wypierać analog, postanowiłem, robiąc taki teatralny rachunek sumienia, wykrzesać z siebie resztki minionej bezpowrotnie fantazji i zmierzyć się z problemem samotności montażysty na scenie, jego egzystencji w świecie zdominowanym przez aktorów, reżyserów i scenografów… „

Pomysł, reżyseria, wykonanie: Grupa Korpuskularna LightOff Grygier/Fibich/Nykowski
Instalacje: Patryk Ekonomiuk
Premiera: 2018
--
20.09. Boisko Uniwersytetu Śląskiego 20:00
Teatr A Part: Faust
Widowisko plenerowe.
+18
Wstęp wolny. Ilość miejsc ograniczona.
„Faust” jest autorskim widowiskiem plenerowym Teatru A Part, dotykającym kwestii kruchości, trudu i tajemnic ludzkiej egzystencji w kontekście towarzyszących jej popędów i emocji. Przedstawienie jest osnute na kanwie mitu faustycznego i nawiązuje do wątków zawartych w dwóch najsłynniejszych dziełach faustowskich: zwłaszcza "Tragicznych dziejach doktora Faustusa" Marlowa, ale też "Fauście" Goethego, nie jest jednak adaptacją znanych literackich pierwowzorów. Historia faustyczna oraz alchemiczny sztafaż są tu pretekstem do kreowania teatralnych obrazów dotyczących dwoistości natury ludzkiej, rozpostartej między młodość i starość, potrzeby ciała i ducha, seksualne siły i pęd ku śmierci, potrzebę poznania i zagubienie, intelekt i emocje. Na poziomie opowieści to historia o kobiecie i zadurzonym w niej mężczyźnie, zaplątanym w obsesyjną spiralę uczuć. Świat, w którym rozgrywa się spektakl to emocjonalny sabat, odbywający się w głowie bohatera. Podobnie jak w poprzednich przedstawieniach plenerowych teatru opowiadana w „Fauście” historia to w istocie mroczny egzystencjalny melodramat. Pod względem formalnym spektakl zawiera wszystkie cechy stylu Teatru A Part, znane z wcześniejszych produkcji plenerowych teatru. W tym bezsłownym spektaklu zostają ponownie użyte surowe, metalowe konstrukcje, żywioły, obrazy obnażanego ciała jako medium sensów i znak transformacji oraz ekspresyjne, fizyczne aktorstwo.
Scenariusz, reżyseria, scenografia: Marcin Herich
Muzyka: fragmenty utworów Autopsia, The Dead Hours, C-Schulz, Dark Sanctuary, G. Santaolalla, E. Goldenthal, R. Sakamoto, M. Matyasik i Nat King Cole
Występują: Alina Bachara, Daniel Dyniszuk, Maciej Dziaczko, Jakub Kabus, Grzegorz Król, Cezary Kruszyna, Dariusz Piotrowski, Monika Wachowicz, Marta Zielonka
Premiera: 2009




fot. mat. teatru

Źródło:

Materiał nadesłany