Teatr Wielki w Poznaniu zaprasza na drugą edycję festiwalu „Przedwiośnie Baletowe”. Projektowi przyświeca idea, aby pokazać nowe perspektywy tańca i kierunki, w których się rozwija. Festiwal to platforma artystycznych kreacji młodych twórców, z niezwykle świeżym spojrzeniem na taniec, młodzieńczą energią i odważnych w poszukiwaniu nowych formy ekspresji.

fot. mat. teatru

Obok debiutów choreograficznych istotnym elementem festiwalu będzie prezentacja choreografii artystów o ugruntowanej pozycji. „Przedwiośnie Baletowe” nawiązuje również do bogatej historii festiwalowej poznańskiego Teatru Wielkiego, a także do tradycji miasta w dziedzinie tańca – to tutaj narodziły się wielkie osobowości baletu klasycznego, tańca współczesnego i choreografii, które po dziś dzień inspirują i są uznawane za autorytety.  

Festiwal otworzy spektakl „Spectrum 03”, będący debiutami choreograficznymi tancerzy Baletu Teatru Wielkiego w Poznaniu. W tym projekcie artyści Baletu nie tylko tańczą i realizują się w roli choreografów, ale też przygotowują strategię komunikacji, materiały promocyjne, scenografię, dobiera muzykę, kostiumy etc. Takie podejście do spektaklu otwiera przed nimi nowe ścieżki kariery i pozwala odkryć nieznane dotąd formy ekspresji, nie tylko na scenie. Wcześniejsze edycje „Spectrum” pokazały, że kreatywność tancerek oraz tancerzy potrafi zaskoczyć i zachwycić publiczność. W programie festiwalu znalazł się również spektakl „4: Pastor / León & Lightfoot / Bondara”, ukazujący różnorodność kreacji światowej sławy artystów, których łączy autentyczność w rozumieniu tańca jako formy wypowiedzi i niezwykła intuicja w nasycaniu choreografii współczesnymi kontekstami. Nie zabraknie również spektakli gościnnych: „Every Minute Motherland” / Maciej Kuźmiński Company i „Jungle Book Reimagined” / Akram Khan Company oraz warsztatów i spotkań z choreografami.  

czwartek, 20.03.2025, godz. 19:00 premiera
piątek, 21.03.2025, godz. 19:00
Spectrum 03

Projekt debiutów choreograficznych „Spectrum” pojawił się na scenie Teatru Wielkiego w Poznaniu w sezonie 2022/2023 i wniósł nową energię, pokazał młodzieńczą pasję oraz zaintrygował publiczność. Robert Bondara – kierownik Baletu, zdecydował się włączyć projekt do programu festiwalu zatytułowanego „Przedwiośnie Baletowe”.
„Spectrum” to rozłożony na wiele choreograficznych języków spektakl w całości przygotowany przez tancerzy Baletu poznańskiego Teatru Wielkiego. Są jego twórcami w każdym aspekcie: odpowiadają ze choreografię, strategię komunikacji, materiały promocyjne, scenografię, dobierają muzykę i – oczywiście – tańczą. Zapraszamy na pełną zaskakujących barw podróż, która nam, widzom, odsłoni inne oblicze zespołu baletowego, a tancerzom i tancerkom pozwoli odkryć nowe formy ekspresji, nie tylko na scenie.

Choreografie:
Diana Cristescu – „Sandcastle"
Giorgio Tinari – „Impr3vu"
Kallum Connor Morris – „Cognition"
Alan Nascimento – „Iorojá"
Anna Gumna – „Cienie"
Massimiliano Romano – „Echi di Potere”
Sergio Chinnici – „Anomalia"
Iannis Teirlijnck – „Groeien"
Manuel Cirbian – „Dreamscape" (Spectrum 02)
Przed premierą 20.03.2025 zapraszamy na spotkanie z realizatorkami i realizatorami Spectrum (godz. 18:15, Sala Drabowicza).
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu kulturalnego polskiej prezydencji w Radzie Unii Europejskiej 2025

fot. Ewa Krasucka/mat. teatru

scena główna
sobota, 22.03.2025, godz. 17:30
choreoDIY
4: Pastor / León & Lightfoot / Bondara

Każde dzieło wymaga szlifu – tymczasem, siedząc na widowni, poznajemy skończony produkt pracy nie tylko zespołu baletowego oraz orkiestry, ale również asystentów reżysera, ekipy technicznej i wielu innych osób. Chcemy uchylić rąbka tajemnicy i zaprosić Państwa w przestrzeń, gdzie błędy mogą się zdarzyć, a korekty są niezbędne do prawidłowego przebiegu spektaklu. Podczas próby otwartej zapraszamy uczestników za kulisy, gdzie razem z asystentem choreografa Arkadiuszem Gumnym zapoznają się z procesem przygotowania do próby jednej z czterech choreografii tworzących spektakl 4: Pastor / León & Lightfoot / Bondara oraz będą mieli okazję obserwować jej przebieg. Zapraszamy nie tylko pasjonatów baletu!
Bezpłatne wejściówki dostępne są w kasie biletowej. Liczba uczestników ograniczona.

niedziela, 23.03.2025, Sala Drabowicza, godz. 11:00
czwartek, 27.03.2025, Sala Drabowicza, godz. 18:00
choreoDIY
Układ otwarty
Projekt Spectrum daje tancerzom możliwość wypróbowania swoich umiejętności w roli choreografów i choreografek. W jaki sposób szukają inspiracji, jak wygląda praca nad autorską choreografią, w jaki sposób przygotowywali się do wystawienia swojego dzieła na scenie? Podczas warsztatów z tancerką Teatru Wielkiego oraz trzykrotną uczestniczką programu Spectrum Anną Gumną uczestnicy będą mieli okazję poznać odpowiedzi na te pytania. Na przykładzie autorskiej choreografii Cienie (którą zobaczymy na scenie już 20 marca podczas premiery Spectrum 03) spróbujemy odnaleźć swój język ruchu oraz przejdziemy przez proces choreograficzny – ten sam, który przed paroma miesiącami przechodzili tancerze naszego zespołu.
Zajęcia przeznaczone są dla dorosłych (23.03.) oraz młodzieży powyżej 14. roku życia (27.03.) i nie wymagają posiadania umiejętności tanecznych.
Bezpłatne wejściówki dostępne są w kasie biletowej. Liczba uczestników ograniczona.

niedziela, 23.03.2025, godz. 18:00
4: Pastor / León & Lightfoot / Bondara
Po pierwsze… Krzysztof Pastor i „Moving Rooms”, przygotowana dla Het Nationale Ballet choreografia, która podbiła wiele tanecznych scen.
Po drugie… Sol León i Paul Lightfoot, jeden z czołowych duetów choreograficznych naszych czasów, po raz pierwszy w Polsce.
Po trzecie… Sol León i Paul Lightfoot i ich dwie najbardziej znane prace: „Shutters Shut” i „Subject to Change”.
Po czwarte… Robert Bondara i jego pierwsza próba zmierzenia się z najbardziej rozpoznawalną kompozycją Ravela.
„4: Pastor / León & Lightfoot / Bondara” ¬– wyrażona ruchem opowieść o budowaniu relacji i przesuwaniu granic. Czterech wybitnych choreografów. Cztery wymiary współczesnego tańca dopełnione muzyką Schnittkego, Góreckiego, Schuberta, Ravela i poezją Gertrude Stein. Spektakl, który jest wyprawą w głąb współczesnego świata – podróżą przez unikalne i wyjątkowe doświadczenia twórców – nagłym olśnieniem różnorodnością – precyzją i dynamiką.
Bo taniec ma wiele wymiarów… Więcej niż 4.

„Moving Rooms” (2012)
muzyka: Alfred Schnittke – Concerto grosso I (Cadenza – Rondo – Postludio)
Henryk Mikołaj Górecki – Koncert na klawesyn i orkiestrę smyczkową op. 40
choreografia: Krzysztof Pastor
kostiumy: Olivier Haller
światła: Bert Dalhuysen
asystent choreografa: Anita Kuskowska
Opowieść o emocjach zamkniętych w przestrzeni, której towarzyszy muzyka Schnittkego i Góreckiego. Na tle wyrysowanych światłem figur geometrycznych toczy się walka człowieka o swoje miejsce na świecie. Kim jest nasz przeciwnik i kto ustala reguły na szachownicy życia?
Choreografia „Moving Rooms”, powstała w 2008 roku dla Holenderskiego Baletu Narodowego, natychmiast zachwyciła Amsterdam, a następnie publiczność w Stanach Zjednoczonych, Czechach, Finlandii, Chinach i na Litwie. Była to jedna z pierwszych zagranicznych prac Pastora, którą artysta przeniósł na scenę Teatru Wielkiego – Opery Narodowej. Sugestywność choreografii podkreśla wirtuozeria techniczna i indywidualna ekspresja tancerzy, a dynamika „Moving Rooms” zdaje się sugerować, że tylko w ruchu, w działaniu, jednostka może w pełni pokazać charakter i mieć wpływ na świat. W finale tancerze wychodzą z mroku – jak odczytają to widzowie?

fot. Ewa Krasucka/mat. teatru

„Shutters Shut” (2003)
choreografia do fragmentu wiersza Gertrudy Stein „If I told him: A completed portrait of Picasso” (1923) przeczytanego przez autorkę
choreografia, scenografia i kostiumy: Sol León i Paul Lightfoot
światła: Tom Bevoort
asystenci choreografa: Chloe Albaret, Olivier Coelfard, Sarah Reynolds

Choreografia „Shutters Shut” jest oparta na wierszu Gertrude Stein z 1923 roku „If I told him: A completed portrait of Picasso”, będącym częścią trwającego przez dekady intertekstualnego dialogu między artystką a Pablem Picassem. Koncepcja choreograficzna León i Lightfoota nie tylko dopasowuje się do metrum wiersza podczas jego czytania, ale też wyraża, odzwierciedla i uzupełnia słowa, tworząc w ten sposób specyficzny ruch i język pantomimy. Dwoje tancerzy zachwyca synchronizacją ruchu: nie ma tu marginesu błędu, nie można ukryć braku precyzji, nie ma możliwości skorygowania niedoskonałego kroku. „Shutters Shut” to nie tylko pokaz precyzji wykonania, to również porywająca forma choreograficznej walki, podczas której – sekunda po sekundzie – widz nie może oderwać wzroku od sceny, ponieważ pragnie się przekonać, czy tancerze wyjdą z tej batalii bez szwanku.

„Subject to Change” (2003)  
muzyka: Franz Schubert – XIV Kwartet smyczkowy d-moll D 810 „Śmierć i dziewczyna”
część II: Andante con moto (opr. Gustav Mahler)   
choreografia, scenografia i kostiumy: Sol León i Paul Lightfoot
światła: Tom Bevoort
asystenci choreografa: Chloe Albaret, Olivier Coelfard
Tytuł baletu to słowa widniejące w rogu strony każdego harmonogramu, arkusza obsady i dokumentu planu pracy, który jest drukowany w Nederlands Dans Theatre. Trzy słowa, które przypominają, że rzeczywistość często mija się z oczekiwaniami, koryguje plany, więc trzeba być gotowym na zmiany. Za „Subject to Change” stoi osobista historia Sol León i Paul Lightfoota – podczas tworzenia choreografii artystów dotknęła tragedia: nagła choroba ich przyjaciółki, Ruth. Dramatyczna rzeczywistość siłą rzeczy zdeterminowała proces twórczy i kreatywność artystów. Tworzenie choreografii było niemal procesem terapeutycznym, to w przestrzeni sali prób znaleźli schronienie. Nikt na widowni nie wiedział, co dzieje się z przyjaciółką choreografów, ale wszyscy w jakiś sposób zobaczyli to poprzez sztukę, zrozumieli dzięki mocy tańca. Choreografia, która nie pozostawia widza obojętnym, prowokuje do szukania odpowiedzi na najtrudniejsze pytania i wynosi wrażliwość odbiorców na zupełnie nowy poziom.

„Bolero” (2024)  
muzyka: Maurice Ravel
choreografia: Robert Bondara
światła: Wiktor Kuźma
asystentka ds. kostiumów: Chiara Ruaro
Jeden z najbardziej znanych utworów XX wieku, który – mimo klęski towarzyszącej koncertowemu prawykonaniu – z impetem wdarł się w przestrzeń nie tylko sal filharmonii i stał się niemal akademickim studium instrumentacji, ale też i skutecznie uwiódł popkulturę. Ostinato werbla od początku utworu, oszczędna orkiestracja, dynamika konsekwentnie rozwijana w kolejnych prezentacjach 18-taktowego tematu. W zasadzie prosty zamysł kompozytorski, z nawiązaniem do folkloru hiszpańskiego i inspiracjami jazzem, jest jednym wielkim crescendem. W nietypowej konstrukcji dzieła, uporczywie powtarzanym temacie i w charakterystycznym rytmie Robert Bondara – jeden z najbardziej cenionych polskich choreografów – znalazł źródło choreograficznej ekspresji. W jego ujęciu ani rytm, narastająca dynamika czy repetytywność tematu, nie są gorsetem krępującym kreatywność, przeciwnie – otwierają, zarówno przed choreografem, jak i tancerzami, przestrzeń, w której wypadkowa ich wrażliwości tworzy spektakl niezwykły pod względem artystycznym.
kierownictwo muzyczne: Marta Kluczyńska
Wykonawcy:
Balet i Orkiestra Teatru Wielkiego w Poznaniu

wtorek, 25.03.2025, Sala Drabowicza, godz. 18:00
choreoDIY
Ciało w tańcu, taniec w ciele
Jak wiele uwagi poświęcamy naszemu fizycznemu ciału w życiu codziennym? Dla tancerza (i nie tylko) ciało jest nie tylko narzędziem pracy, ale też instrumentem służącym wyrażaniu emocji i budowaniu fabuły. Podczas warsztatów z solistką Teatru Wielkiego Dianą Cristescu oraz instruktorką tańca terapeutycznego Aleksandrą Król-Kilijańską uczestnicy będą mieli okazję nawiązać bardziej świadomy kontakt ze swoim ciałem, wyjść poza tradycyjne schematy ruchowe, skupić się na oddechu oraz poznać, jak własne ciało zachowuje się w prostych choreografiach tanecznych. Doskonała okazja dla wszystkich, którzy mają ochotę spróbować „wyjść” z własnej głowy. Pamiętajmy, mamy tylko jedno ciało!
Zajęcia przeznaczone są dla uczestników powyżej 18. roku życia i nie wymagają posiadania umiejętności tanecznych.
Bezpłatne wejściówki dostępne są w kasie biletowej. Liczba uczestników ograniczona.

fot. Przemysław Jendroska/mat. teatru

środa, 26.03.2025, godz. 19:00
„Every Minute Motherland”
Maciej Kuźmiński Company

Doświadczenie tańca – doświadczenie historii
„Every Minute Motherland” to dokumentalny spektakl taneczny, który powstał w odpowiedzi na rosyjską agresję wobec Ukrainy i wynikający z niej kryzys uchodźczy. Przedstawienie jest wynikiem intensywnej pracy laboratoryjnej polsko-ukraińskiego zespołu, w tym uchodźców, oraz dramaturga Paula Bargetto.
Inspiracją spektaklu były osobiste historie tancerzy, Przedstawienie bada skutki traumy, wygnania oraz wyobcowania w kontekście wojny, nieubłaganych sił historii i geografii, które wypływają na poczucie tożsamości. W świecie, w którym wojna rozgrywa się codziennie w telewizji i mediach społecznościowych w przytłaczającej powtarzalności, spektakl przenosi naszą uwagę na ciała świadków – ich doświadczenia zostają przepisane na ruch i czas, sięgając do ducha rytuału i mitu.
Od Mariupola po Charków i w wielu innych miejscach, gdzie wybuchła wojna, kultura i artyści stali się celem w świadomej próbie zniszczenia ukraińskiego narodu. Projekt ten jest aktem oporu wobec tych zbrodni i wyrazem solidarności z Ukrainą.
Spektakl był tyleż przytłaczający, co fascynujący. (…) Straszliwy w przesłaniu, przerażająco piękny w artystycznym wykonaniu.
Helmut Jasny, „Westfälische Nachrichten”
Taneczny obraz Macieja Kuźmińskiego przypomina nam o tym, jak bardzo realne i bliskie może być doświadczenie wojny – doświadczenie totalne, które przenika czas, przestrzeń wokół nas, nasze ciała i umysły. [...] Pomimo bardzo ekspresyjnych i emocjonalnych scen, spektakl nie przygnębia. Jest poruszający, momentami wzruszający, ale jest to ten rodzaj uczuć, który pozwala przeżyć w teatrze katharsis.
Justyna Stanisławska, taniecpolska.pl

choreograf: Maciej Kuźmiński
asystent choreografa: Monika Witkowska
dramaturg: Paul Bargetto
performerzy i współtwórcy: Daria Koval, Anna Myloslavska, Monika Witkowska, Vitaliia Vaskiv, Szymon Tur, Anastasia Ivanova, Maciej Kuźmiński
producenci: Maciej Kuźmiński, Polina Bulat
Przed spektaklem 26.03.2025 zapraszamy na spotkanie z realizatorami Every Minute Motherland (godz. 18:15, Sala Drabowicza).
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu kulturalnego polskiej prezydencji w Radzie Unii Europejskiej 2025

fot. Ambra Vernuccio/mat. teatru

sobota, 29.03.2025, godz. 19:00
„Jungle Book Reimagined”
Akram Khan Company

Premiera „Jungle Book reimagined” – głęboko osobistej interpretacji Akram Khan Company uwielbianej od pokoleń „Księgi dżungli” Rudyarda Kiplinga, miała miejsce w kwietniu 2022 w Curve w Leicester, a tuż po niej zespół odbył światowe tournée.  
Akram Khan w wieku 10 lat zagrał tytułową rolę w „Przygody Mowgliego” – tanecznej produkcji Indyjskiej Akademii, a kilkadziesiąt lat później powrócił do tej historii uważnie odczytując ją na nowo.
W niedalekiej przyszłości rodzina zostaje rozbita, uciekając z ojczyzny zdewastowanej przez zmiany klimatyczne. Dziecko, przybywając samotnie do opustoszałego, nowoczesnego miasta, gdzie dzikie zwierzęta przejmują ulice jako swoje, wkrótce odkrywa nieprawdopodobnych sojuszników w tej dziwnej, nowej dżungli.
W „Księdze dżungli” Kiplinga zakorzenione jest głębokie zagrożenie, jakie ludzkość stanowi dla natury. W nowej produkcji taneczno-teatralnej Khan i jego zespół na nowo odkrywają podróż Mowgliego oczami uchodźcy klimatycznego. „Jungle Book reimagined” zawiera oryginalną nową ścieżkę dźwiękową, a dziesięciu tancerzy z różnych krajów,  najnowocześniejsze animacje oraz wizualizacje tworzą fascynująca opowieść o naszej wewnętrznej potrzebie przynależności i więzi z innymi, a także o znaczeniu kontaktu i szanowania świata natury.
Znakomity zespół kreatywny na nowo wyobraził sobie „Księgę dżungli” – produkcję, w której za choreografię i reżyserię odpowiada Akram Khan. Scenariuszem zajął się Tariq Jordan, dramaturgią Sharon Clark, oryginalną ścieżką dźwiękową Jocelyn Pook, oprawą dźwiękową Gareth Fry, oświetleniem Michael Hulls, a scenografią Miriam Buether. Projekt wideo i animacja autorstwa YeastCulture przekształca scenę w magiczny świat, który zanurza się w dzisiejszych mitach.
Akram Khan, reżyser i choreograf, powiedział: „Żyjemy obecnie w bezprecedensowych i niepewnych czasach, nie tylko dla naszego gatunku, ale dla wszystkich gatunków na Ziemi. Główną przyczyną tego stanu rzeczy jest to, że zapomnieliśmy o naszym związku z naszym domem, naszą planetą. Zamieszkujemy ją, wszyscy z niej korzystamy i budujemy na niej, ale zapomnieliśmy okazać jej szacunek. Wierzę, że jeśli chcemy zobaczyć lepszą przyszłość, musimy wprowadzić zmiany oddolnie. Czuję się więc zobowiązany do podzielenia się tą historią, znaną jako „Księga dżungli” – z dziećmi i dorosłymi ze wszystkich kultur, aby ponownie nauczyć się tego, o czym my, jako gatunek, tak wygodnie zapomnieliśmy. Wierzę, że najsilniejszym i najgłębszym sposobem na opowiedzenie tej historii jest magia tańca, muzyki i teatru”.
W „The Stage” pisano: „Jungle Book reimagined” wydaje się być kinowym hitem z potężnym przesłaniem dla nas wszystkich. Teraz ten wyjątkowy przekaz zobaczymy na scenie pod Pegazem.
Po spektaklu 29.03.2025 Q&A Jungle Book reimagined – zapraszamy na rozmowę z tancerzami (godz. 21:20, scena główna).